Surgidos en 1986, publicaron su primer disco In Battle There Is No Law dos años después, una obra con fuerte influencia de la escena punk: el sonido es sucio, en parte por la mala producción pero también en parte porque sonaba así, totalmente primitivo, con algunos toques que casi recuerdan al Altars of Madness de los Morbid Angel. El siguiente disco se tituló Real of Chaos (1989), y con sólo ver la portada a los jugones les llamaré potentemente la atención por su parecido a las ilustraciones de Games Workshop: en efecto, el disco tiene muchísima relación con el magnífico juego Warhammer 40.000. Representantes de la empresa, tras escuchar la segunda sesión grabada con John Peel, se animaron a cooperar con ellos con las ilustraciones. Eso, añadido a que algunos miembros de la banda ya eran jugadores del grupo, hace que el disco sea casi un homenaje al universo del juego.

Para el siguiente disco, War Master (lanzado en 1991 y que resultará clave a la hora de catalogar su estilo personal), la alianza con Games Workshop no se mantuvo a causa de que estos pedían excesivo dinero por el uso de sus ilustraciones. Sin embargo un ex-diseñador de la empresa se ofreció a ayudarles con los dibujos: el resultado lo podemos ver en forma de magníficas ilustraciones que recuerdan no sólo a Warhammer, sino también a un cruce entre Terminator y Conan. Es en lo relativo al sonido donde se nota el avance más importante: abandonan definitivamente el hardcore y se introducen en un death lento, obsesivo, con claros toques de Black Sabbath. No se puede hablar de una canción concreta dentro de este disco, que es otro de esos redondos, pero quizá la que más sorprenda sea ‘Cenotaph’, a todos los efectos buque insignia de la banda y canción imprescindible en su repertorio (el tema incluso ha servido de inspiración a algún fan de la banda a la hora de escribir un relato). Por poner algún otro tema, decir por ejemplo ‘Profane Creation’, el propio ‘War Master’, ‘The Shreds of Sanity’ o ‘Destructive Infinity’ (tema magnífico que increíblemente sólo aparece como extra en el CD).

Con su cuarto trabajo, The 4th Crusade (1992), ratifican la dirección de su estilo, conformando un disco soberbio. El tema que da título al disco es antológico, y se encuentra arropado de toda una cohorte de maravillas intensas, inmisericordes. En el disco prácticamente desaparecen los riff rápidos, dejándonos con un muro de sonido lento, pesado, en el que la voz de Willetts actúa como un buldózer, machacando lo poco que quedara en pie. Como curiosidad comentar que la letra del último tema, ‘Through the Ages (Outro)’, consiste en una lista de conflictos. Si para entonces alguien lo dudaba, ya no puede: los Bolt Thrower son unos adictos a los temas bélicos.

A esta etapa pertenece el directo Live War, de sonido humilde pero intensísimo. Una grabación imprescindible para los seguidores del grupo.

La temática bélica se mantiene en el siguiente álbum, …For Victory (1994), aclamado mundialmente como su mejor trabajo hasta la fecha (fecha de entonces, se entiende). Temas como ‘Lets We Forget’ o el propio ‘…For Victory’ dejan claro el impresionante nivel de calidad compositiva de la banda, comportándose como un tanque de primera generación.

Tras la gira que siguió al disco el cantante Karl Willetts y el batería Andy Whale se apartan de la banda, siendo sustituidos por el ex-cantante de Pestilence (banda que posee un disco imprescindible en lo que se refiere al death europeo: Testimony of the Ancients), Martin van Drunen, y por el batería Martin Kearns. Van Drunen no duró mucho en la banda: la alopecia areata le venció tanto como el, según dijo, no sentirse integrado. Martin Kearns le siguió un tiempo después, pero con su pelo.

E el puesto de vocalista se coloca Dave Ingram, ex-Bendiction, si bien las voces del fallido Mercenary (1998) siguen siendo de Willetts, que regresa justo para eso. El disco no acaba de convencer a buena parte de los fans, resultando flojo y monótono. Ingram sí aporta su voz en el siguiente Honour-Valour-Pride (2001), más resultón pero no a la altura de los clásicos de Willetts. Éste regresará de nuevo a la banda (y ya como miembro oficial) para incluir su voz en el impresionante Those Once Loyal (2005), un disco con el que la banda consigue crear una nueva obra maestra. Temas como ‘At First Light‘ no merecen comentario alguno: sólo se pueden disfrutar con humildad ante lo impresionante de su sonido.

Por desgracia, tal y como dicen en su página web (en la entrada de 12 de Junio de 2008), parece que no van a sacar por ahora más discos dado que este último Those Once Loyal lo consideran perfecto, definitivo, y el nuevo material que han compuesto (según ellos) es de calidad inferior a la del citado.

Aquí os dejo con una muestra de los Bolt Thrower en plena gloria, con uno de los mayores exponentes de su arte.

[youtube oxMJDTJXleI]

Cuando acabéis de menear la cabeza no olvidéis alabar a nuestro dios de metal: él es quien inspira estas maravillas.

Por desgracia no supieron sacar jugo a ese impulso. Su segundo disco, Slave to the Grind, posee un par de temas destacables (‘Monkey Bussiness’ o el toque thrashico de ‘Slave to the Grind’, por ejemplo), mientras que el resto… El siguiente disco, Subhuman Race, es digno del olvido, con unos Skid Row vendidos al mercado (por algo está presente la infausta mano de Bob Rock, que tras hacer lo que hizo con Metallica casi se le puede considerar el Darth Vader del metal, atrayendo a grupos al lado oscuro de la comercialidad más patética), así como los siguientes. Sebastian Bach (cantante de voz impresionante, además de un carácter bastante potente) supo huir del barco, si bien su carrera en solitario no logró un éxito multitudinario similar al que alcanzara en los primeros años del grupo.

Aquí os dejo el medio tiempo ’18 and life’. Disfrutad de los buenos y efímeros Skid Row.

[youtube PfkYpxBO4SY]

Alabemos.

En la vertiente opuesta nos encontrábamos a los Legion, grupo principalmente anglófilo. Editaron tres discos en el idioma de chespir (a cada cual más prometedor, pero lamentablemente echados a perder en lo que refiere a sonido de producción): Lethal Liberty, Mind Training y Laberinth of Problems. Por otro lado también lanzaron un maxi (Por la Cara, de magnífica calidad en lo relativo a la composición) y un tema suelto (en el primer disco) cantado en español. Se les comparó repetidamente con Metallica (algo que se comprende al escuchar el Lethal Liberty, y en general muchos de sus temas), y se les auguró un muy buen futuro en el mundillo musical. Por desgracia se cruzaron con malos compañías y acabaron en la nada. Aun auténtica pena, pero que demuestra el tipo de impresentables que hay en el negocio.

Ese tema suelto en el primer disco que antes he comentado es el centro de este discurso: Mili KK.

Para los que no lo han vivido (que ya se pude hablar casi de una generación), durante años y años en España hubo una maldición para la juventud llamada servicio militar: la puta mili. Durante meses (eso al final, pero hubo tiempo en el que se prolongaba por más de un año) al chico le separaban de su familia, de su novia, de sus amigos, de su entorno, sólo para seguir una ridícula instrucción militar en un cuartel, a veces muy distante de tu hogar. En numerosas ocasiones lo único que aprendías ahí era a escaquearse y a odiar a la autoridad. Para los heavies además significaba la a veces nada trivial obligación de cortarse la melena. Con ese precedente surgieron diversas canciones (heavies, punkis y similares) en contra de esa mierda. En nuestra religión podríamos citar como algunos de los más famosos el Mili Mierda de los S.A. o éste Mili KK de los Legion, magnífico ejemplo de su buen hacer.

Una auténtica lástima el ver cómo acabó el grupo. Y muy sorprendente el cambio de Jonathan: se hizo pastor adventista (lo siento pero me pierdo a la hora de diferenciar esas falsas religiones y no tengo ni idea de qué narices es eso del adviento, y en que se distingue de otras sectas) y renegó de su pasado en nuestra religión. De él hay un discurso en dos partes de lo más interesante en el que habla de su pasado, entre otras cosas. Merece la pena escucharlo. Sólo desearle que le vaya bien en ese nuevo camino que ha escogido… aunque no coincida nada con su forma de entender la vida.

[youtube hggQbooW-eM]

Disfrutad con Legion y alabad, que lamentablemente no volverán.

• ‘Stone Cold Crazy’
• ‘Bohemian Raphsody’
• ‘Tie Your Mother Down’
• ‘Sheer Heart Attack’
• ‘Hammer to Fall’
• ‘One Vision’
• ‘Princess of the Universe’
• ‘Gimme the Price’
• ‘I Want It All’
• ‘The Invisible Man’

Y no me parece necesario indicar más. Queen son un referente y merecen estar en lo alto del Olimpo del metal por méritos propios, aunque a algún recalcitrante radical le moleste.

La canción que hoy nos congrega pertenece aun disco que se utilizó en el clásico del cine fantástico Los Inmortales (Highlander; sí, nos encontramos ante otro ejemplo de traducción de título horrible)  La versión que aparece en el vídeo oficial realmente está recortada, algo que a los auténticos seguidores de la reina resultará poco menos que insultante. Por ello os añado aquí la canción íntegra, aunque con un falso vídeo.

[youtube OgK_keIJq-4]

Disfrutad. Alabad.

Aunque el disco que les encumbró (y con el que se acabaron de ganar los odios de los papaitos conservadores americanos, a los que más tarde dedicaron su hilarante ‘Startin’ Up a Posse’) llegó en 1987: Among the Living. Dotado de un sonido robusto, prácticamente la totalidad de sus temas se han convertido en himnos. Entre ellos, por méritos indudables, destaca ‘I Am the Law’, inspirada en el cómic Juez Dredd.

Siguiendo el estilo marcado por Among the Living sacan State of Euphoria, donde encontramos temas ya clásicos como ‘Be all, End All’ y ‘Antisocial’ y ‘Now It’s Dark’. Si bien el Euphoria tuvo un frío recibimiento a causa de su poco innovador sonido, el siguiente disco (Persistence of Time, 1990, último de la época dorada con Belladona) muestra a un grupo maduro, consolidado, con ideas renovadas y adentrándose más que nunca en el aspecto social. En ese disco hallamos una de las posiblemente mejores canciones de la banda, ‘In My World’, así como otras que han seguido el camino a los altares: ‘Time’ y ‘Got the Time’.

Belladona es expulsado a causa de su poca implicación en la composición de temas, y en su lugar entra un muy diferente John Bush, cantante que imprime su personalidad (y un guiño hacia el sonido grunge que ya empieza a predominar en la escena) en el interesante Sound of the White Noise (1993). De este disco destacan los primeros tres temas, impresionantes, más ‘Black Lodge’ y ‘C₁₁H₁₇N₂O₂S Na’ (fórmula química del pentatol sódico, el supuesto suero de la verdad).

Tras este disco el grupo sufre diverso reveses, tanto económicos como de pura mala suerte, lo que hace que subsiguientes tres discos pasen casi desapercibidos.

En 2005, celebrando los veinte años de la banda, se reúne la formación mítica, con unos hijos pródigos Belladona y Spitz, e inician una gira que congrega a muchísimos viejos fans que habían perdido de vista a la banda. A esta gira, con todos ellos ya maduros y experimentados en lo bueno y en lo malo, pertenece el tema que ahora os presento, y el cual tuve el placer de escuchar (junto a un buen puñado de canciones más) cuando vinieron a Madrid teloneando a Dio.

[youtube p1EMGeOR20c]

Bailad bien durante la parte de mosh y alabad, jodíos, alabad.

Creadores de un sonido extremadamente técnico, los miembros de Between the Buried and Me demuestran a lo largo de su carrera una muy interesante evolución hacia los ritmos mestizos, llenos de complejidad y contratiempos, todo ello sin abandonar su base extrema. Sus temas no es que carezcan de una estructura estándar, sino que más bien lo que sucede es que se les acumula tal cantidad de ideas que casi no tienen tiempo físico para introducirlas, insertándolas en los temas a veces con cierta brusquedad. Algunos de los referentes, deliciosamente variados, que se pueden apreciar en ellos podrían ser Voivod, Pink Floyd (y aquí se podría englobar la ‘sonoridad’ de otros grupos de rock progresivo de los setenta. Otra clara referencia a los Pink Floyd la encontramos en la propia portada del disco Colors, con una especie de arco iris, al estilo de la cubierta del mítico Dark Side of the Moon), Dream Theater, In Flames, Cannibal Corpse, Queen… En su sonido encontramos blast beats típicos del black metal, secciones de folk, algo de música árabe, bossanova…

Otro disco de Between the Buried and Me que necesito destacar, de nuevo a causa de su originalidad y riqueza sonora, es el Alaska. En él encontramos más temas repletos de cambios de ritmo y de estilo sorprendentes (esa supuesta ‘obligación’ de plasmar todas las ideas). Temas como el introductoria ‘All Bodies‘ te marcan: o amas a este grupo o lo detestas. El disco, ya de por sí muy interesante, se convierte en una auténtica delicia para cualquier melómano en su versión instrumental. Sí, el grupo editó una versión completamente instrumental del disco: eliminaron las pistas de voz y dejaron todo lo demás. No es por desprestigiar el trabajo vocal de Tommy Rogers, sino más bien para destacar la impresionante labor compositiva e instrumental que se esconde tras su voz. Así, en esa edición se aprecian aun mejor los matices de la música sin la ‘distracción’ que la voz (muchas veces gutural y no del agrado de muchos oyentes). Los amantes de los sonidos progresivos sabrán apreciar esa colección de temas; toda una delicia.

Aquí os dejo con ‘Prequel to the Sequel’, una de tantas joyas que hay en el disco Colors, en la magistral interpretación en directo:

[youtube 2-4ghKA0HTk]

Tras disfrutar con esta maravilla sólo podemos alabar a nuestro dios por los bienes que nos regala. Eso y esperar a que estos genios produzcan más y más discos de la calidad de Colors.

La década de los setenta resulto dura para ellos, y sólo a mediados (1974) consiguieron publicar su primer disco, Rock Rolla. Por problemas con las productor (sacó algunos temas y recortó otros) el resultado no resultó del agrado de la banda. No ocurrió lo mismo con el siguiente, Sad Wings of Destiny (1976), en el que ya pudieron incluir canciones que se convertirían en mitos, como ‘The Reaper’ y ‘Tyrant’.

La década de los 70 concluyó con unos Judas Priest ganado un disco de platino con el directo Unleashed in the East, al tiempo que sus temas se volvían más cortos, radiofónicos. Así, en 1980 lanzan el British Steel, posiblemente unos de los disco más importantes en nuestra religión. De él extraigo este ‘Breaking the Law’, sin duda su tema más famoso.

Tras este disco continuaron su éxito a lo largo de la década de los 80, sin duda la más fructífera de su carrera. En esos años produjeron canciones que se han convertido en himnos perpetuos, como el ‘Heading Out to the Highway’, ‘You’ve Got Another Thin Comin’, ‘Electric Eye’, ‘Turbo Lover’, ‘The Sentinel’ (posiblemente mi tema favorito de la banda), ‘Out in the Cold’, ‘Ram it Down’, ‘Painkiller’ y muchos otros.

Como contraste, en la década de los 90 la trayectoria del grupo se oscurece: el cantante, Rob Halford, se va de la banda para iniciar su carrera en solitario (primero con Fight y luego con Halford). El sustituto, Tim ‘Riper’ Owens, nunca acaba de encajar entre los fans (flaco favor le hizo la penosa película inspirada en su vida, Rock Star, donde queda de poco menos que de pringado). Al fin Halford en 2003 regresó, pero el grupo ya ha quedado resentido tras más de diez años de errabunda trayectoria.

Lo que no se les puede negar es que con el tiempo han alcanzado el estatus nominal de Dioses del Metal (en honor a otro de sus temas más famosos, ‘Metal Gods’), coronando el género junto a otros grupos como Iron Maiden y Black Sabbath.

Aquí os dejo el vídeo de ‘Breaking the Law’, gracioso en lo que se refiere a la puesta en escena (ese atraco al banco armados con los instrumentos, batería incluida, y la reacción y caras que pone el guardia de seguridad es poco menos que para partirse de risa).

[youtube psTUiQzNoxw]

Por cierto, resulta muy curioso apreciar en los segundos 10 a 13 un hombre con lo que parece un teléfono móvil. ¿Quizá se trate de una radio, un transistor? ¿O un walkie-talkie? Sin duda un móvil no puede ser dado que en ese año, 1980, tenían un tamaño un poco mayor.

Bueno, dejémonos de tonterías y alabemos.

Tras emerger de la escena del black metal, cuya influencia se percibe con claridad en el primer disco (Pale Folklore, 1999) su estilo ha ido avanzando a lo largo de los otros dos LPs y cuatro EPs con gran éxito hacia ese estilo de sonido en el que la depresión y la soledad se vuelven casi palpables. Su segundo disco, The Mantle (2002), recibió numerosas y justificadas aclamaciones; el último (Ashes Against the Grain, 2006) no defrauda.

Para adentrarnos algo más en su estilo hay que decir que sus temas, muchas veces de más de seis minutos de duración y algunos rondando los veinte minutos, poseen de juego de guitarras, percusión y voces que nos llevan a un mundo desolado y triste. Ese interés por lo atmosférico se percibe en la inusitada cantidad de temas instrumentales, en una proporción bastante más grande a la que suele haber que en un grupo normal. La estructura básica de sus composiciones consiste principalmente en progresiones que ganan en intensidad, y de un marcado carácter evocador.

Aquí os dejo el único vídeo oficial de la banda, un recortado ‘Not Unlike the Waves’. El tema, originalmente de nueve minutos, quince segundos, lo recortó por la productora sin el visto bueno del grupo a los actuales cuatro y medio (en youtube podéis encontrar la versión íntegra). Aun así, esta versión sirve de perfecta introducción al sonido de la banda.

[youtube gYMaIzFq1Iw]

Si os apetece escuchar más podéis ir navegando por la red, pero podría recomendaros ‘She Painted Fire Across the Skyline I‘, ‘Odal‘, ‘Limbs‘ o ‘Our Fortress Is Burning… II – Bloodbirds‘, ejemplos claros de la evolución de estos norteamericanos.

Sin más, me despido alabando a nuestro dios por las maravillas que nos ofrece. Y ahora vosotros, venga. Alabad.

Helloween empezaron como cuarteto, con Kai Hansen a la voz y a la guitarra. Con ese formato de cuarteto lanzaron un EP homónimo y un LP, Walls of Jericho, que resultaron un rotundo éxito de ventas y de crítica. ¿La clave? Melodías remarcadas, voz aguda, casi chillona, y guitarras más agresivas que el heavy estandar, pero no tanto como el thrash. Tras comprobarse que Hansen no se veía capaz de cantar y tocar a la vez, se buscó un cantante que se hiciera cargo de la voz solista. El elegido respondía al nombre de Michael Kiske. Los Helloween míticos ya estaban reunidos. Así, como quitento, en 1987 publican uno de los discos más importantes de los ochenta, el Keeper of the Seven Keys Pt. 1. Este Keeper Uno es otro de esos disco redondos, donde no hay absolutamente nada despreciable, encadenando clásico tras clásico, temas que has servido de referente para futuras generaciones. El año siguiente rematan la faena con la segunda parte, el Keeper Dos, que arrasa ya a nivel internacional. A este disco pertenece la canción que hoy os presento, ‘I Want Out’.

‘I Want Out’, tema compuesto íntegramente por Kai Hansen, al cabo de los meses se revela como toda una declaración de principios: tras acabar la gira europea el guitarrista y fundador de la banda huye para formar los exitosos Gamma Ray. El video se rodó en Pamplona, aprovechando el concierto que la banda dio en la capital pamplonica en uno de los Mosters of Rock españoles de 1988.

Tras la fuga de Hansen (sustituido por un muy gris Roland Graphow) la inestabilidad se adueña del grupo. Los siguientes discos, Pink Bubbles Go Ape y Chamaleon, no consiguen cuajar en el público, lo que acaba costándole la cabeza a Kiske (impulsor de los cambios en las composiciones, mucho más experimentales), expulsado por el otro compositor principal de la banda y guitarrista, Michael Waikath. Su sustituto, Andy Deris, no convence a una parte de la masa de fans, dado su muy distinto timbre de voz. Aun así el disco que le presenta como frontman, Master of the Rings, no decepciona. Sin embargo el nuevo rumbo del grupo supone un cambio en los fans: recluta nuevos, más acordes a la nueva época, y pierde a parte de los viejos. Sucesivos discos han ratificado esta tendencia.

Aquí os dejo esta pequeña joya, testamento musical helloweenero de un Hansen descontento. Por fortuna, antes de huir, nos regaló esta maravilla de canción.

[youtube FjV8SHjHvHk]

Alabado sea nuestro dios. Y alabado sea Kay Hansen, por supuesto.

Dentro de este disco no se puede destacar ningún tema dado que todos ellos encajan a la perfección creando una unidad monolítica, una ópera rock emotiva y triste que te envuelve tanto con música como con la historia que narra. La secuencia de temas cuenta la historia de Nikky, un joven drogadicto, desperdicio de la sociedad, que es manipulado por un enigmático doctor X para… Quien quiera saberlo que consiga el disco y disfrute de esta obra maestra. En ella encontrará crítica social, muerte, amor, engaño, dolor, desesperación, alegría, locura, todo ello revestido con una música soverbia.

En el disco, además, colaboran el tristemente fallecido Michael Kamen que se encarga de la orquestación y la cantante Pamela Moore, interpretando el papel de la hermana Mary.

Tras Operation: Mindcrime (1988) llegó Empire (1990), que aunque no llega a la altura de su anterior posee una buena colección de temas. A él le siguió un decepcionante Promise Land (1994), disco que no cumplía con las espectativas de los fans, la partida de DeGarmo (uno de los compositores principales de la banda) y la caída de popularidad del grupo.

Pero siempre quedará este Mindcrime. Siempre podremos acompañar a Nikki en sus tribulaciones con el doctor X y la hermana Mary.

Por poner un tema (insisto en que resulta muy dificil elegir uno cuando todos tienen una calidad similar, y todos aportan algo a la historia, enriqueciéndola) he escogido este ‘Suite Sister Mary’, el tema más operístico, en la versión en directo que lanzaron para el Operation: Livecrime, en el que se demuestra la calidad del grupo. Y, por supuesto, la de Geoff Tate, acompañado para la interpretación de este tema por la antes citada Pamela Moore.

[youtube pjQ6no6PUm0]

Ante este impresionante tema sólo podemos alabar a nuestro dios por sus milagros.